Tại sao thị trường NFT sẽ tăng từ 2 tỷ USD lên 60 tỷ USD

Tác giả gốc: @vangoyaa

Bản biên soạn gốc: @Xuegaogx

Lý do dịch bài viết này là vì cuộc thảo luận về NFT giữa những người nước ngoài gần đây rất nóng và phản hồi ở khu vực Trung Quốc ở mức trung bình. Ngoài ra, gần đây tôi rất thích Doodles, OK. Văn bản bắt đầu

---

Hầu hết mọi người trong cộng đồng tiền điện tử đều tin rằng NFT đã chết.

Hầu hết giới nghệ thuật đều cho rằng NFT là một trò lừa đảo đã đánh lừa một số nhân vật Hollywood và một nhà sáng lập tiền điện tử người Singapore trong thời gian ngắn trước khi biến mất một cách thương xót.

Và sau đó là nhóm thứ ba - ồn ào nhất - đã lặp lại ba câu giống nhau trong bốn năm:

1. Đây chỉ là JPEG.

2. Tôi vừa nhấp chuột phải và cứu con khỉ triệu đô của bạn.

3. NFT là một trò lừa đảo. Bơm và đổ các hình ảnh động vật ngẫu nhiên.

Nếu bạn trực tuyến bất kỳ lúc nào kể từ năm 2021, bạn đã nghe thấy ba câu này. Có lẽ bạn đã tự nói một trong những điều này.

Tất cả những điều này đều sai và dữ liệu đã chứng minh điều đó một cách rõ ràng đến mức tôi thực sự bối rối không hiểu tại sao không ai nói ra điều đó.

Thị trường nghệ thuật truyền thống sẽ đạt 59,6 tỷ USD vào năm 2025, tăng 4% so với năm trước nhưng vẫn thấp hơn mức đỉnh 67,8 tỷ USD vào năm 2022.

Thị trường NFT hiện có giá trị khoảng 2 tỷ USD, giảm khoảng 90% so với mức đỉnh.

Bề ngoài, bạn nhìn vào những con số này và nói: "Ừ, NFT thua." Nhưng bề mặt chính xác là nơi bạn ít để ý nhất, bởi vì toàn bộ thế giới nghệ thuật - bảo tàng, phòng trưng bày blue-chip, nhà đấu giá, những nhà sưu tập nghiêm túc nhất - đã dành bốn năm qua để âm thầm xây dựng cơ sở hạ tầng cho thứ mà họ công khai tuyên bố là đã chết.

Đây không phải là bài viết "lên mặt trăng". Tôi sẽ không nói với bạn rằng giá sàn PFP yêu thích của bạn sắp tăng 50 lần. Tôi sẽ hướng dẫn bạn:

• Những người gác cổng của thế giới nghệ thuật đã làm gì trong khi mọi người đang nhìn chằm chằm vào biểu đồ giá

• Tại sao mọi phong trào nghệ thuật thực sự quan trọng lại bị coi như một trò đùa trong nhiều thập kỷ trước khi được công nhận

• Tại sao phép toán này - thực sự đang tính toán - khiến cho quan điểm giảm giá trở nên không thể biện hộ được

Hãy thu thập nó trước nếu cần. Cuối cùng, bạn sẽ hiểu lý do tại sao tôi nghĩ mua Generation Digital Art ở mức giá này là một trong những vụ đặt cược bất cân xứng nhất trong bất kỳ loại tài sản nào hiện nay.

Đây không phải là bài viết về giá cả. Đây là bài viết về một hệ thống quyền sở hữu mà thế giới vẫn chưa định giá được.

Hãy bắt đầu.

1. Thị trường mà bạn cho là không thể lay chuyển thực ra đang bị thu hẹp

Thị trường nghệ thuật truyền thống trị giá 59,6 tỷ USD. Đó là con số được Art Basel và UBS tiết lộ trong báo cáo năm 2026, được viết bởi Tiến sĩ Claire McAndrew, một trong những nhà phân tích được kính trọng nhất trong lĩnh vực này trong hơn một thập kỷ.

Nghe có vẻ to lớn. Theo tiêu chuẩn của NFT, nó thực sự rất lớn. Nhưng đây là sự thật không ai nói cho bạn biết:

• Nó giảm từ mức đỉnh 67,8 tỷ USD vào năm 2022. Hai năm sụt giảm liên tiếp trước khi phục hồi nhẹ.

• Phần giữa của thị trường (hoạt động dưới 50.000 USD) đã sụp đổ trong hơn một thập kỷ.

• Tại các cuộc đấu giá công khai, các tác phẩm có giá trên 1 triệu USD chỉ chiếm chưa đến 1% số lô nhưng chiếm tới 54% giá trị.

• Bản thân báo cáo Art Basel đánh dấu sự thay đổi quan trọng nhất sắp tới: một "sự chuyển giao tài sản to lớn", trong đó hơn 80 nghìn tỷ đô la tài sản sẽ được chuyển từ thế hệ bùng nổ dân số sang con cháu của họ trong hai thập kỷ tới.

Đọc lại 1% dữ liệu. Thị trường nghệ thuật truyền thống thực sự không phải là một thị trường trị giá 60 tỷ USD. Đó là một thị trường đại chúng trị giá khoảng 30 tỷ USD, cộng thêm một sòng bạc trị giá 30 tỷ USD, nơi các tỷ phú giao dịch các tác phẩm của Basquiat và Picasso như một cách chuyển vốn hiệu quả giữa các bất động sản.

Và có vấn đề ở trên cùng. Người mua đã già. Người bán hàng đã già. Cơ sở hạ tầng đã cũ. Con cháu sẽ thừa kế 80 nghìn tỷ USD khi lớn lên đã không đấu giá trên danh mục của Sotheby's.

Họ lớn lên trực tuyến.

Vì vậy, trước khi nói về NFT, hãy làm rõ điều này: đối tượng mà NFT được cho là cạnh tranh không phải là một thị trường đang bùng nổ và mở rộng.

Đây là một thị trường già cỗi. Một vấn đề tập trung. Sự chuyển giao thế hệ cho một người không muốn những gì đang được giao. Và đây là thứ mà mọi người gọi là loại tài sản an toàn.

Ở vị trí cao nhất, những nhà sưu tập lớn tuổi đang ngày càng quản lý tài sản, tính thanh khoản và quyền thừa kế—thay vì khám phá các phương tiện mới.

Bây giờ hãy để tôi cho bạn thấy những người điều hành nó thực sự đang làm gì với tiền của họ.

2. Khi bạn không chú ý, người gác cổng đã hành động

" data-path-to-node="28">Thế giới nghệ thuật có một cơ chế rất cụ thể để hợp pháp hóa các phương tiện truyền thông mới. Nó trông như thế này:

1. Một số nghệ sĩ tạo ra tác phẩm dưới hình thức mới.

2. Các nhà phê bình chế giễu. Các nhà sưu tập bỏ qua chúng.

3. Một số giám tuyển dũng cảm có được tác phẩm cho các bộ sưu tập của tổ chức.

4. Các bảo tàng khác đã xem bộ sưu tập và làm theo.

5. Các nhà đấu giá đã nhận thấy sự thay đổi về mặt thể chế và bắt đầu đưa ra các tác phẩm.

6. Các nghệ sĩ ký tên trong phòng trưng bày Blue-chip.

7. Giá tiếp tục tăng gộp trong một thế hệ.

Đây là kịch bản. Nó hoạt động tốt cho nhiếp ảnh. Nó hoạt động tốt cho nghệ thuật video. Nó hoạt động tốt cho nghệ thuật sắp đặt. Nó áp dụng cho mọi phương tiện mà thế giới nghệ thuật ban đầu cho là "không thực sự là nghệ thuật".

Và đây chính xác là cẩm nang hiện đang chạy cho nghệ thuật kỹ thuật số và nghệ thuật trên chuỗi. Hầu hết mọi người không biết rằng các giai đoạn đầu đã diễn ra.

Sau đây là những tác phẩm đã được đưa vào bộ sưu tập cố định của các bảo tàng lớn:

• MoMA (New York)—Bộ sưu tập năm 2023 về “Không được giám sát” của Refik Anadol. Nó được trưng bày ở sảnh gần cả năm trời. Ba triệu du khách đã nhìn thấy nó. Bộ sưu tập bao gồm một NFT phù hợp và một vật lưu niệm trên blockchain mà khách truy cập có thể đúc được. Cùng năm đó, MoMA cũng thu thập “3FACE” của Ian Cheng, một NFT tổng quát có chức năng đọc nội dung ví của chủ sở hữu và thay đổi khi ví thay đổi. Đây là một tác phẩm nghệ thuật mang tính khái niệm mà theo đúng nghĩa đen là không thể tồn tại nếu không có blockchain.

• Centre Pompidou (Paris)—Bảo tàng nghệ thuật hiện đại quan trọng nhất của Pháp đã sưu tập 18 tác phẩm NFT của 13 nghệ sĩ vào năm 2023. Bộ sưu tập bao gồm CryptoPunk, một Autoglyph, tác phẩm của Sarah Mayorhas, Raphael Rosendahl và John Gerrard, người phụ trách tổ chức bộ sưu tập, coi nó là sự tiếp nối tự nhiên của các bộ sưu tập hiện có của bảo tàng gồm Bruce Nauman, Bill Viola, Vito Acconci và Nam June Paik. data-path-to-node="33,2,0">LACMA (Los Angeles)—Có một trong những bộ sưu tập nghệ thuật trực tuyến nghiêm túc nhất trên thế giới. Vào tháng 2 Vào năm 2023, nhà sưu tập Cozomo de' Medici đã quyên góp 22 tác phẩm blockchain và sáng tạo, bao gồm CryptoPunk, Dmitry Chernyak Ringer và các tác phẩm của Tyler Hobbs—khoản quyên góp nghệ thuật blockchain lớn nhất cho bất kỳ bảo tàng nào của Hoa Kỳ. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="33,2,0">Ngoài ra, Eric Calderon, người sáng lập Art Blocks, đã tặng trực tiếp Chromie Squiggle cuối cùng cho bảo tàng, đây là tác phẩm gốc của toàn bộ nghệ thuật sáng tạo trên chuỗi phong trào LACMA cũng vận hành quỹ sưu tập nghệ thuật kỹ thuật số đầu tiên dành riêng cho các nữ nghệ sĩ của bất kỳ bảo tàng nào ở Mỹ. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="34">Tôi biết đây là rất nhiều viện bảo tàng. Hãy tiếp tục lắng nghe tôi. Trọng tâm không phải là một viện bảo tàng duy nhất – đó là khuôn mẫu.

  • ICA Miami—Bắt đầu trước bất kỳ ai khác. Họ đã nhận được CryptoPunk #5293 từ một người được ủy thác, biến nó thành NFT đầu tiên trong bất kỳ chuyên ngành nào bộ sưu tập bảo tàng, bộ sưu tập hoàn toàn đầu tiên Vào năm 2022, Yuga Labs đã tặng họ một chiếc Punk thứ hai và khởi động Dự án Di sản Punks, một sáng kiến chính thức nhằm đưa CryptoPunks vào các bảo tàng lớn trên thế giới. họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="35,1,0" data-index-in-node="0">Bảo tàng Whitney — đã âm thầm sưu tập nghệ thuật kỹ thuật số và internet trong nhiều năm, bao gồm hai tác phẩm của Raphael Rosendahl trong bộ sưu tập vĩnh viễn của họ. Họ có đã vận hành một nền tảng triển lãm kỹ thuật số có tên Artport từ năm 2001.

  • Bảo tàng Nghệ thuật AKG ở Buffalo—Cuối năm 2022, nơi đây tổ chức triển lãm "Peer to Peer", triển lãm khảo sát đầu tiên của nghệ thuật blockchain được tổ chức bởi một bảo tàng Hoa Kỳ. Người phụ trách đưa ra một lập luận lịch sử mà bạn nên nhớ: Năm 1910, chính bảo tàng này đã tổ chức triển lãm nhiếp ảnh đầu tiên của bất kỳ bảo tàng nào ở Hoa Kỳ. Năm 1910, nhiếp ảnh vẫn chưa được coi là nghệ thuật—ba phần tư thế kỷ sau khi phương tiện này được phát minh ra

  • Bảo tàng Guggenheim – 2024 giới thiệu “Ánh sáng” của Jenny Holzer, một hệ thống lắp đặt đèn LED lăn dài 900 foot kết hợp Văn bản do AI tạo ra rõ ràng là một phần của làn sóng tương tự bằng cách đưa các phương pháp thực hành kỹ thuật số được AI hỗ trợ vào rotunda của nó. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="36">Thêm Trung tâm Pompidou, MoMA, LACMA, ICA Miami, Whitney, AKG Buffalo và Guggenheim, và bạn có xương sống thể chế của nghệ thuật đương đại Mỹ và Châu Âu—tất cả trong số đó đã đưa ra các cam kết chính thức đối với nghệ thuật kỹ thuật số và trên chuỗi trong bốn năm qua

    Những người không chú ý sẽ nói với bạn rằng các tổ chức không quan tâm.

    Tổ chức đã hành động công khai. Thị trường chỉ phớt lờ nó khi giá sàn giảm.

    "Lịch sử của Nghệ thuật Khái niệm là một tài liệu tham khảo đặc biệt quan trọng. Nghệ thuật Ý niệm đã đạt được tiến bộ đáng kinh ngạc trong việc phi vật chất hóa các tác phẩm nghệ thuật."

    ——Marcella Lista, Center Pompidou

    3. Mọi phong trào nghệ thuật mà bạn thực hiện nghiêm túc giờ đây đều bắt đầu như một trò đùa

    Đây là phần lập luận mà những người trong lĩnh vực mật mã bỏ qua nhưng những người làm nghệ thuật hiểu theo bản năng.

    Năm 1863, Paris Salon—triển lãm hàng năm chính thức được chính phủ phê duyệt nhằm xác định những gì được coi là nghệ thuật hợp pháp—đã từ chối hơn 2.000 bức tranh. Rất nhiều tác phẩm đã bị từ chối, và những lời phàn nàn lớn đến mức Napoléon III đã ra lệnh tổ chức một cuộc triển lãm song song có tên là Salon of the Also-Dismissed. Mọi người kéo đến để cười, "Bữa trưa trên bãi cỏ" của Manet là tâm điểm của tác phẩm bị từ chối, tác phẩm mà các nhà phê bình coi là sự xấu hổ vì sự thô tục. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; font-family: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="43">Bức tranh đó hiện được coi là một trong những tác phẩm nền tảng của nghệ thuật hiện đại. Nó được treo ở Musée d'Orsay. Nếu bán được, giá trị của nó sẽ là một con số không thể ghi lại được.

    Vào năm 1874, 11 năm sau Salon of the well-rans, một nhóm nghệ sĩ đã từ bỏ việc cố gắng vào Salon chính thức đã tổ chức triển lãm của riêng họ tại một studio mượn ở Paris. Tổng cộng, cuộc triển lãm đã thu hút khoảng 3.500 lượt khách tham quan. Salon chính thức năm đó đã thu hút hơn 500.000 người. Một nhà phê bình tên là Louis Leroy đã bình luận về cuộc triển lãm bằng cách chế nhạo tiêu đề một trong những bức tranh của Monet - Ấn tượng bình minh - và sử dụng từ "Trường phái ấn tượng" như một sự xúc phạm. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="45">Cái tên vẫn giữ nguyên. Họ vẫn giữ nguyên sự xúc phạm.

    Phải đến năm 1987 - hơn một trăm năm sau Salon of the Losers - một bức tranh của Van Gogh mới lập kỷ lục đấu giá mọi thời đại cho bất kỳ tác phẩm hiện đại nào, vượt qua mức giá dành cho tác phẩm cũ trước đó master. "Sunflowers" được bán tại Christie's với giá gần 40 triệu USD. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; font-family: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="47">Van Gogh chỉ bán được một bức tranh trong đời. Các tác phẩm của ông hiện thường xuyên vượt quá 100 triệu USD khi đấu giá.

    Khoảng cách này là đặc điểm của mọi cuộc cách mạng nghệ thuật, mọi lúc, không có ngoại lệ.

    Bài học không phải là sự công nhận luôn mất cả thế kỷ. Bài học là sự chế giễu thường đến trước, sự chấp nhận của tổ chức đến thứ hai và việc định giá lại thị trường theo sau.

    Lấy Pop Art làm ví dụ. Vào tháng 7 năm 1962, triển lãm cá nhân đầu tiên của Andy Warhol "Campbell's Soup Cans" khai mạc tại Phòng trưng bày Ferus ở Los Angeles. Một phòng trưng bày lân cận được đặt làm thực tế Những chiếc lon Campbell's Soup trên cửa sổ có tấm biển ghi "Hai mươi chín xu đích thực" như một sự chế nhạo công khai. Năm trong số ba mươi hai bức tranh đã được bán. Cuối cùng, chủ sở hữu Phòng trưng bày Irving Bloom đã mua lại toàn bộ bộ tranh với giá 1.000 đô la. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="51">Bộ 32 lon súp đó hiện là một trong những sản phẩm được đánh giá cao nhất của MoMA bộ sưu tập. cỡ chữ: 16px; độ dày phông chữ: kế thừa; ngắt từ: phá vỡ tất cả; chiều cao dòng: 2; họ phông chữ: PingFang SC,Helvetica Neue,Helvetica,Arial,Hiragino Sans GB,Heiti SC,Microsoft YaHei,WenQuanYi Micro Hei,sans-serif;" data-path-to-node="52">那家杂货店被遗忘了。

    以概念艺术为例。 1967段落》。开篇句:"想法成为制造艺术的机器。"艺术界的大多数人将此视为边缘哲学。早期概念艺术家故意制作不可收藏的作品——协议、指令、证书——部分是对画廊系统的批评。他们试图逃离市场。

    索尔·勒维特的拍卖纪录现在超过160万美元。他的墙画——字面上只是由其他人执行的一套指令——在世界上每个主要博物馆都有。

    墙画在概念上就是一个智能合约。有人写了规则。其他人运行它们。 "艺术"存在于协议中。

    他在链上生成艺术运行的框架发明五十年前就发明了它。

    现在看看每一个花了多长时间。这是应该让你坐直的部分：

    • 印象派——从1863年被拒绝到1987年第一次破纪录的现代主义拍卖。一百二十四年。

    • 波普艺术——从1962年的杂货店嘲笑到1960年代末进入MoMA永久收藏。大约五十年到数百万美元的转售。

    • 概念艺术——从1967年宣言到2000年代初第一次百万美元拍卖价格。大约三十五年。

    • NFT艺术——大多数人认为是第一个NFT的《量子》于2014年铸造。 CryptoPunks于2017年由马特·霍尔和约翰·沃特金森推出。佳士得第一次重大NFT艺术拍卖是在2021年。七年。

    七年。

    印象派在世界甚至知道如何称呼他们之前举办了八次展览。第一波NFT艺术家仍在工作。他们中的大多数还活着。他们中的大多数仍处于职业生涯中期。而为马奈、梵高、沃霍尔和勒维特定价的同一剧本已经在后台为他们运行。

    印象派花了几十年时间从嘲笑到数十亿的市场价值。概念艺术面临同样的阻力。

    模式是：新媒介出现，建制派否定它，创作者和收藏家的临界质量拥抱它，然后机构跟进，然后资金涌入。

    NFT只是比人们意识到的更进一步地沿着那条曲线前进。

    

    "想法成为制造艺术的机器。"

    ——索尔·勒维特，1967年

    他在谈论墙画。他本可以在描述智能合约。

    四、蓝筹画廊已经投票了

    如果你想知道哪些艺术家将在二十年后被列入经典，不要看拍卖价格。看哪些画廊签下了他们。

    蓝筹画廊系统——佩斯、高古轩、豪瑟沃斯、大卫卓纳——控制着谁获得博物馆展览，谁获得机构安置，最终谁被纳入经典。

    这些画廊是艺术界最保守的参与者。他们签约他们期望在50年后仍然重要的艺术家。他们的整个业务是为持有作品几代人的收藏家提供声誉保险。所以当他们行动时，这意味着什么。

    佩斯画廊成立于1960年，代表阿格尼丝·马丁、马克·罗斯科、亚历山大·考尔德、罗伯特·劳申伯格和索尔·勒维特本人的遗产。

    索尔·勒维特。与NFT艺术所源自的概念谱系最密切相关的艺术家。

    佩斯于2021年11月推出了一个名为Pace Verso的专门NFT和Web3平台。此后，他们与其名册上的知名明星发布了NFT项目：

    • 杰夫·昆斯（送往月球的雕塑）

    • 林璎

    • 特雷弗·帕格伦

    • teamLab

    • DRIFT

    • 塔拉·多诺万

    • 卢卡斯·萨马拉斯

    • 约翰·杰拉德

    • 洛伊·霍洛韦尔

    • 利奥·维拉雷尔

    • Random International

    读一下那个名单。这些不是加密原生艺术家。这些是当代艺术的知名明星通过顶级蓝筹画廊发布首次NFT。

    然后在2023年3月，佩斯做了一件更有说服力的事。 They gave Tyler Hobbs — a generative artist born and raised in the world of on-chain art — a solo exhibition at their flagship New York space.十二幅源自他的QQL算法的大型绘画，在曾经展示过罗斯科和考尔德的同一个房间里展示。

    QQL铸造通行证在前一年9月售出了1700万美元。一个月后，在残酷的加密熊市中，它们的二级市场达到了2800万美元。

    佩斯画廊为生成式NFT艺术家举办的个展不是宣传噱头。这是一次投票。

    而佩斯并不孤单：

    • 莱曼莫平成为第一家接受加密货币付款的商业画廊。

    • 豪瑟沃斯展示了珍妮·霍尔泽的NFT相关作品。

    • 高古轩接受加密货币销售。

    • 苏富比于2021年推出了其专门的元宇宙市场，此后已完成超过1亿美元的NFT销售，同时在大多数市场放弃艺术家链上版税的时刻维持了它们。

    • 佳士得于2022年10月推出了Christie's 3.0，这是传统拍卖行的第一个完全链上拍卖平台。

    拍卖行和蓝筹画廊不必这样做。他们在没有加密货币的情况下有足够的业务。他们这样做是因为艺术界最保守角落的聪明人已经查看了数据，并得出结论，这就是未来二十五年收藏将要发生的地方。

    五、收据

    迈克·温克尔曼连续十三年多每天制作一幅数字绘画。 He posted them online.几乎没人在乎。他有一小批追随者，没有画廊代理，没有博物馆兴趣，在传统艺术界没有地位。

    然后在2021年3月，佳士得拍卖了一个包含所有5000幅拼接在一起的绘画的单个文件。它以6930万美元的价格售出。他叫Beeple。

    现在让我把其余的数据放在一个地方，这样你就能看到它。

    • Beeple，《每一天：前5000天》——2021年3月在佳士得拍得6930万美元。 This is the first purely digital NFT artwork offered by a major auction house.使Beeple立即成为按拍卖纪录计算世界上第三昂贵的在世艺术家。

    • Pak，《合并》——2021年产生了9180万美元，可以说是在世艺术家的最高公开销售总额，尽管这个比较有争议，因为作品是以许多单位出售的。

    • Beeple，《HUMAN ONE》——2021年11月在佳士得拍得2900万美元。一个混合物理数字雕塑，带有动态NFT组件。

    • 德米特里·切尔尼亚克，Ringers #879（"鹅"）——2023年6月在苏富比拍得620万美元，深陷熊市。有史以来生成艺术品的第二高拍卖价格。 The day's full Sotheby's GRAILS sale brought in approximately $11 million and set eight new artist records.这不是2021年的炒作资金。这是2023年在加密寒冬期间的信念资金。

    • 泰勒·霍布斯，Fidenza #725——2023年5月在苏富比当代晚间拍卖会上超过100万美元。是其高估价的五倍。

    • XCOPY，《右键另存为家伙》——2021年末在SuperRare上约700万美元。他的多件作品已经跨越了数百万美元大关。

    • 雷菲克·阿纳多尔，除了MoMA收藏外，于2023年9月成为第一位在拉斯维加斯球体外部投影的艺术家，驻留四个月。在球体之前，他的作品曾投影在迪士尼音乐厅、巴特罗之家、威尼斯建筑双年展上。他是2016年谷歌的第一位驻场艺术家。

    这些不是孤立的异常值。它们是一个类别。

    现在有一个有意义的在职数字艺术家群体，拍卖纪录达到七位数和八位数，在三大洲的博物馆收藏，以及在当代艺术界最高层的画廊代理。

    

    这个群体五年前并不存在。

    炒作消失了。基础设施没有。而建设它的人不会等你弄明白。

    六、新美第奇家族已经在收藏了

    如果你想知道一个资产类别的未来市场是什么样子，找到那些在熊市期间积累的人。

    有一位收藏家自称Cozomo de' Medici。这个名字不是偶然的。

    最初的美第奇家族资助了波提切利、米开朗基罗、多纳泰罗——当这些名字还未经证实，媒介还是新的时候。这些赌注的回报，向前计算，基本上是无限的。

    美第奇家族在没有其他人理解的时刻理解了媒介正在改变，而最先到达那里的人将塑造经典。

    Cozomo de' Medici于2023年2月向LACMA捐赠了22件生成艺术品。字面上的美第奇参考就是整个论点。他们打赌链上艺术将像佛罗伦萨文艺复兴一样被记住。

    而他们并不孤单：

    • Punk6529——以620万美元购买"鹅"的匿名收藏家。在元宇宙中运营一个博物馆区，展示超过两千件作品。个人收藏在高峰时估值超过数亿美元。多年来一直公开写道NFT不是交易——它们是拥有数字文化的新系统。

    • Flamingo DAO——从2020年10月开始，约一百名成员汇集资本的集体。他们持有唯一完整属性集的CryptoPunks。他们持有完整的Autoglyphs集。他们持有一个外星人Punk，2021年以约75万美元购买，现在价值约数百万美元。高峰投资组合估值：十亿美元。

    • PleasrDAO——以400万美元从美国联邦政府购买了唯一存在的Wu-Tang Clan专辑，此前它从马丁·什克雷利那里被没收。以超过数百万美元购买了爱德华·斯诺登的《保持自由》NFT。购买了原始Doge表情包NFT并将其分割。由安德森霍洛维茨支持。

    这些不是散户投机者，不是随意买家。他们是收藏家和集体，拥有足够的资本、信念和文化素养，在炒作消失后继续购买——将NFT收藏视为可资助的论点。

    加上匿名的机构收藏家，一直在悄悄积累的家族办公室，佳士得现在看到足够的链上竞标来证明一个专门平台的合理性——你得到的画面与"NFT已死"的公众叙事不符。

    NFT正在积累。 They just accumulate among people who don't tweet about their portfolios every day.

    美第奇参考就是整个交易：

    找到未来机构想要收藏的媒介，在未来机构知道他们想要它之前，并在它们相对于最终重要性仍然便宜时购买基础作品。

    这就是最初的美第奇家族所做的。

    这就是 Cozomo Medici、Punk6529、Flamingo DAO 和 PleasrDAO 现在正在做的。

    七、重新定义

    如果你读到这里，你已经知道这要去哪里了。但让我让它无法忽视。

    传统艺术市场正在萎缩、集中和老龄化。它的主要买家很老。它的基础设施是为没有在线上成长的一代人建造的。下一代，确实在线上成长，即将从他们那里继承80万亿美元。

    美国和欧洲几个最重要的当代艺术机构已经对数字和链上艺术做出了正式承诺。

    过去一百五十年的每一个主要艺术运动在被认真对待之前都被当作笑话对待了几十年。根据你开始计时的地方，NFT艺术只有7到12年。我们处于1874年，而不是1987年。

    蓝筹画廊已经投票了。佩斯给了泰勒·霍布斯一个个展。苏富比运营一个专门的数字艺术平台。佳士得运营一个完全链上的拍卖场所。

    拍卖价格存在。 Beeple 6930万美元。 Pak 9180万美元。切尔尼亚克在熊市深处620万美元。阿纳多尔投影在拉斯维加斯球体上。

    收藏家正在积累。 Flamingo、PleasrDAO、6529、Cozomo，没人知道的家族办公室。

    这是大多数人对NFT的误解。

    他们认为这是一个交易类别。 no.这是一个产权系统。在NFT之前，数字文化具有无限的分发和零所有权。 Everything is circulated, nothing can be truly held, and all value goes to the platform rather than the people who made or collected the work.

    NFT翻转了这一点。文化现在可以无限传播并同时有限拥有。

    这就是重要的部分。艺术一直在三件事上定价——来源、故事和文化相关性——链上所有权不会取代其中任何一个。

    它升级了所有三个。

    区块链上具有社会共识的稀缺艺术是新的稀缺土地，现在积累它的人正在做每一代严肃收藏家在每一种最终重要的媒介开始时所做的事情。

    这是锁定整个论点的唯一一件事：

    链上艺术是第一个主要艺术类别，其中所有权历史可以从一开始就是程序化的、公开的和带时间戳的。

    它并不能解决所有问题——版权、存储、作者身份和文化价值仍然重要——但它比传统艺术市场更好地解决了来源问题。

    传统艺术市场每年因伪造品、丢失的来源和有争议的归属而损失数十亿美元。纽约的克诺德勒画廊——美国最古老的画廊，165年历史——在2011年被关闭之前售出了价值8000万美元的假罗斯科和波洛克。甚至在佳士得以4.5亿美元售出的《救世主》也被正式标记为"由列奥纳多·达·芬奇创作，尽管这有争议"。

    链上艺术没有这个问题。来源就是媒介。每个以前的所有者都是可验证的。每笔交易都有时间戳。每个智能合约都是可审计的。

    历史上第一次，一件艺术品及其完整的所有权历史是同一个对象，在数学上。

    你可以右键保存JPEG。你不能右键保存来源。这就是整个游戏。

    这是索尔·勒维特在1967年写的非物质化，最终完成了。

    想法就是机器。机器制造艺术。链记住一切。

    如果你真的绘制数据——博物馆收藏、拍卖纪录、画廊代理、收藏家基础、历史时间表、继承人口统计、传统市场的结构性问题以及链上来源的产权系统优势——没有诚实的解读认为NFT艺术将停留在20亿美元。

    20亿美元是一个资产类别的当前市值，它具有：

    • 世界上最负盛名的博物馆正在收藏其基础作品

    • 世界上最保守的画廊正在签约其艺术家

    • 世界上最老练的收藏家正在悄悄积累

    • 有史以来发明的最干净的来源系统

    • 数万亿继承的代际顺风即将落入一生都在看屏幕的买家手中

    赌注不在价格上。赌注在媒介上。

    而媒介已经赢得了唯一重要的论点：决定什么算作艺术的机构已经决定了。

    NFT艺术的严肃部分已经在投机崩溃中幸存下来，并且比历史上大多数被憎恨的艺术运动更快地被制度化。

    看跌的观点说NFT死了，因为投机市场崩溃了。

    机构记录说的是别的：投机死了，但媒介幸存了。

    我不是说每个PFP都会回来。大多数不会。这并不意味着每个2021年的收藏都重要。大多数不重要。这意味着链上艺术的基础作品正在实时被分类、收藏、语境化和经典化。

    交易不是"NFT回来了"。

    交易是数字艺术正在进入艺术史，而大多数人仍然像定价一个死去的散户狂热一样定价它。

    1965年，你可以以一辆二手车的价格买一幅沃霍尔。现在那些相同的画作售价九位数。今天的基础数字艺术的定价正是1965年沃霍尔的定价。这不是理论观察。这是一个你可以查找的数字。

    沙龙嘲笑马奈。杂货店嘲笑沃霍尔。嘲笑Beep le、阿纳多尔、霍布斯和切尔尼亚克的人听起来非常类似于在每种新媒介硬化为艺术史之前嘲笑它的人。

    历史在这种交流中谁最终看起来愚蠢方面非常一致。

    你现在已经读了4000字，解释了你站在哪一边。

    剩下的唯一问题是你是否在没有读过这篇文章的人之前采取行动。